Z każdym kolejnym rokiem Art Basel Miami rozrasta się dzięki swojej popularności i szybko rosnącej liczbie równoległych pokazów artystycznych w mieście.Ponieważ wydarzenie to stało się sztuką, designem i modą, targi się rozrosły, przyciągając ponad 82 000 odwiedzających w 2017 roku. W programie znalazło się 268 galerii z 32 krajów, co utrudnia nam wybór garstki dzieł sztuki atrakcja. Niemniej jednak, oto wybór elementów, które zwróciły naszą uwagę z tego lub innego powodu.
Co roku jest co najmniej jeden utwór na dużą skalę, który urzeka, aw tym roku myśleliśmy, że to ten utwór Ugo Rondinone. Artysta znany jest z eklektycznej pracy, często z odniesieniami do pop-artu i kolorów, ale także z prac na dużą skalę, takich jak rzeźba z drzewa odlewanego z brązu.
Najbardziej znany chiński artysta może być bardziej znany ze swoich instalacji - lub jego politycznego i społecznego aktywizmu - ale także tworzy kolorowe kawałki, takie jak autoportret zrobiony w Legos. Autoportret jest podobny do 176 portretów, które zrobił dla swojego programu Trace, koncentrując się na ludziach, których uważa za więźniów politycznych i więźniów sumienia. Pikselowany wygląd ma wywołać zdjęcia z monitoringu.
Innym kolorowym kawałkiem był pół-abstrakcyjny akryl i kolaż z tkaniny na drewnie zwany Poród Tlazolteotl Alexander Tovberg. Mówi się, że artysta łączy swoje marzenia, europejską tradycję fałdową i religię, by tworzyć swoje dzieła. Dotyk utworu jest trudny do ustalenia i byłaby to intrygująca praca w domu lub biurze.
Gdy twoja przestrzeń potrzebuje dobrej dawki kolorowego neonu, spójrz na amerykańskiego artystę Beverly Fishmana. To jest jej Untitled (Problemy trawienne), który składa się z Ciebie rethane farba na drewno. Jej abstrakcyjne prace to dyskusje o technologii i przemyśle farmaceutycznym. Fishman jest rezydencją artystyczną w renomowanej Cranbrook Academy of Art, gdzie uczyła od 1992 roku.
W połączeniu sztuki i mebli rzeźba autorstwa Carla Mannowa z Danii ma prowokować do myślenia i dyskusji. Z serii „Feeding Grounds” jest to rzeźba z oświadczeniem wykonana z biurka, czasopism i drewna olchowego. Aby być odpowiednio docenionym, rzeźba ta potrzebuje większej przestrzeni, w której może stać solo i być kontemplowana.
Ta puszysta praca wykonana jest z ręcznie tkanej wełny Caroline Achaintre, która pracuje w wielu mediach, w tym w tekstyliach, ceramice, grafikach i akwarelach. Jest to bardzo dotykowy kawałek, który jest kolorowy - podobnie jak wiele jej prac - który przyniesie życie i teksturę dużej ścianie fabularnej. Prace Achaintre mają wywołać ducha Karnawału i zostały nazwane „jednocześnie zabawne i absurdalne”.
Rzeźbiarz Charles Harlan był cytowany w książce jako stwierdzenie, że „głupie przedmioty mogą stać się dziełami sztuki po prostu przenosząc je gdzieś”. Artysta powinien wiedzieć, ponieważ jego praca skupia się na codziennych, przemysłowych obiektach, które zmienia w nowym kontekście. Ta praca, zwana paletami, składa się z kamienia, drewna, stali i plastiku. Podczas gdy te obiekty są indywidualnie prozaiczne, razem tworzą intrygujące, choć prowokujące połączenie.
Późno włoski artysta Dadamaino - który naprawdę nazywał się Eduarda Emilia Maino - stworzył tę społecznie naładowaną pracę. Jako oświadczenie społeczne jest ono niestety tak samo ważne dzisiaj, jak był dzień, w którym zostało utworzone. Wybór prezentacji tego rodzaju grafiki jest jednym ze sposobów wyrażania opinii społecznej i być może prowokuje rozmowę z gośćmi, którzy odwiedzają Twój dom.
Ta wielkoformatowa rzeźba Daniela Burena jest graficzna i dramatyczna, typowa dla dzieł artysty. Buren był wielki w Paryżu w latach sześćdziesiątych i rzucił wyzwanie konwencjonalnym wyobrażeniom o tym, gdzie można zobaczyć sztukę, pisząc Artsy. Przestał malować i zaczął wklejać pionowe pasy na wszelkiego rodzaju konstrukcje w całym mieście. To jest jego polichromia Daniela Burena High Relief, aluminiowa rzeźba, która najbardziej pasowałaby do nowoczesnej i przestronnej przestrzeni.
Nie mogliśmy pomóc, ale pomyślmy o motylach i robakach, które przechwyciliśmy i przypięliśmy, kiedy byliśmy dziećmi, kiedy zobaczyliśmy te wszystkie szpilki. Kolaże Elliotta Hundleya zawierają setki obrazów wydrukowanych na papierze ryżowym wraz z innymi materiałami. Ta praca obejmuje niektóre przyciski i muszle. Praca Hundleya inspirowana jest greckimi sztukami. Zawiesilibyśmy to w salonie lub gabinecie, gdzieś moglibyśmy to zobaczyć przez cały czas. Nie możemy obrazować męczącego oglądania utworu, znajdowania różnych obrazów i elementów, z których każdy ma różne znaczenia.
Fausto Melotti był znany ze swoich surrealistycznych rzeźb, takich jak ta o nazwie Contrappunto XI. Nieżyjący włoski rzeźbiarz pracował z wszelkiego rodzaju materiałami, w tym metalem, drutem, gipsem, ceramiką i drewnem. Małe dzieło ma nieważkie małe kształty ułożone w harmonii. To uspokajająca mała rzeźba, która jest również zabawna dzięki małym metalowym kulkom i skokom drutu.
Ta antropomorficzna rzeźba była wielkim rysunkiem. Boucherouite V Francesci DiMattio, to szkliwiona porcelana i kamionka, która wygląda jak figura, ale tak naprawdę nie jest. Jej prace są oparte na architekturze renesansowej i gotyckiej, a także wzorach koronkowych i kołdrowych. Widzowie wciąż krążą wokół rzeźby, oczekując znalezienia twarzy, szukając przodu utworu, ale go tam nie ma. Bardzo intrygujący.
Wszystkie rodzaje sztuki neonowej można było znaleźć w Art Basel, ale ta była intrygująca w swojej prostocie. Décrochage nr 8 François Morelleta składa się z akrylowej farby na płótnie na drewnie. Morellet pracował w sztuce minimalistycznej i konceptualnej, był ważny w rozwoju geometrycznej sztuki abstrakcyjnej. Neon był jego ulubionym materiałem. Według Artsy'ego Morellet powiedział, że „byliśmy pasjonatami nowoczesnych materiałów, które nie były jeszcze„ zanieczyszczone ”przez tradycyjną sztukę. Szczególnie podobało nam się wszystko, co może powodować ruch lub światło. ”
Wisząca faseta Haegue Yang jest oszałamiająca nie tylko ze względu na swój połysk i kształt, ale także na niesamowite cienie rzucane na ściany. Jest to idealny element dla minimalistycznej przestrzeni z wystarczającą ilością czystej ściany, aby cienie mogły się wypowiedzieć. Podwójne krawędzie miedziane tworzyły ciekawą geometrię na ścianie, która jest powtarzana w każdym z aspektów.
Kolejnym wiszącym wisiorkiem, który odkryliśmy, jest ta bez tytułu praca Jorge Pardo. Rzeźba z aluminium malowanego proszkowo zawiera światła wiszące na krętym wieszaku z drewna sapele. Być może pociągnęło ich to, ponieważ są to głównie artystyczne oprawy oświetleniowe tego kubańskiego amerykańskiego artysty, którego prace łączą sztukę i design. To wspaniałe dzieło sztuki, które może być wspaniałą oprawą oświetleniową.
Jedną z cech Art Basel każdego roku jest Kabinett, który pozwala galeriom na umieszczenie indywidualnego artysty w kabinach w specjalnie wyznaczonej przestrzeni. Galeria Zeno X zawierała Kim Jones i wiele jego prac, w tym ten oparty na koszulce. Jones zaczynał jako performer z alter ego Mudmana, wędrownego szamana. Zasypał się w błocie i innych organicznych rzeczach i pojawił w różnych miejscach publicznych w Los Angeles. W Nowym Jorku od 1980 roku Jones koncentruje się na tematach związanych z wojną.
Jeśli chcesz wybrać się na coś rozbryzgiwanego i kolorowego, wypróbuj Le Parapluie Jaune z Maryam Haddad. Obraz olejny jest w rzeczywistości tryptykiem i ma niemal abstrakcyjne wrażenie impresjonistyczne. Możesz po prostu dostrzec młodą kobietę i żółty parasol tytułu. To szczęśliwy kawałek, który rozjaśni każdą przestrzeń.
Może to jest loki, a może to drewno, ale uwielbiamy te kawałki norweskiej sztuki Matiasa Faldbakkena. Używa „tradycyjnych aktów wandalizmu i jego materiałów” do generowania estetycznych form, mówi Artsy. Może być najbardziej znany ze swojej pracy z czarną taśmą w ukłonie w stronę kultury graffiti, ale także z serii z workami na śmieci rysunków w czarnym markerze na ciemnych plastikowych workach na śmieci. Te elementy ścienne wydają się mniej chaotyczne i mają bardziej uspokajającą estetykę.
To niesamowite, że można znaleźć prace Picassa wraz ze współczesnymi utworami w Art Basel. W rzeczywistości to jedna z radości. Musimy podziwiać i podkreślać tę pracę i chociaż nigdy nie stać nas na Picassa, to płetwa kontemplować ten kawałek i marzyć o umieszczeniu go na ścianie naszego salonu.
Mieszane elementy są ulubionym, a takie zespoły są szczególnie interesujące. Brazylijski Rodrigo Bueno jest najbardziej znany z wyposażenia zdobionego naturalnymi materiałami. Tutaj jednak przekształcił obraz w ten sam sposób. pod tytulem Maria Quechua Kaiapó, jest doskonałym przykładem wykorzystania odpadów miejskich do tworzenia swojej sztuki i innowacyjnego wykorzystania materiałów w ekspresji. Ponownie jest to sugestywny kawałek i pełen znaczenia.
Monochromatyczny, ale bogaty w fakturę, światło i cienie, dzieło Rosemarie Trockel, niemieckiej artystki surrealistycznej. Znana jest z kontrowersyjnych utworów, które poruszają takie tematy, jak seksualność i kultura, jak na przykład jej maszynowe kombinezony sportowe. Ten utwór jest dramatyczny i dominujący, nawet z jego skromnym rozmiarem.
Z daleka wyglądało to jak stwór uciekający lub kobieta rozwijająca swoją pelerynę, jakkolwiek bliższa inspekcja ujawnia pominięcie zupełnie innej: pomysłowa konstrukcja stworzona z papierowych kapeluszy używanych w komercyjnych kuchniach. Stworzona przez meksykańską artystkę Tania Candiani, Obreros, jest dużą i dominującą pracą, która jest pewnym punktem centralnym. Strona Candiani zauważa, że interesuje ją przecięcie systemów językowych, dźwięku i logiki technologii, ale „nostalgia za tym, co przestarzałe”. Utwór jest również mocnym stwierdzeniem społecznym, ponieważ wykorzystuje papierowe kapelusze znanej amerykańskiej firmy zatrudnianie nielegalnych imigrantów i złe traktowanie ich.
Kolejna praca Ugo Rondinone zwróciła naszą uwagę na płynne linie i sposób, w jaki wywołuje ruch, podobnie jak niektórzy włoscy mistrzowie, którzy wyrzeźbili w marmurze. Tułów kobiety wzmaga uczucie wirującego wiru, gdy spirala wznosi się w górę, w połowie pochłonięta przez spiralę. W przeciwieństwie do masywnego drzewa, które zawarliśmy wcześniej, ten element pasowałby do większości domów!
Yayoi Kusama, znana przede wszystkim ze swoich bujnych dyni, a teraz z wysoce Instagramed Infinity Rooms, stworzyła również dużą ilość mniejszych prac, takich jak ta. Nazwany latem Shooting Star, utwór powstał w 1988 roku z akrylu, włókien syntetycznych i plastiku. Materiały są skomponowane w malowane drewniane pudełko. Używanie jasnoczerwonego jako dominującego koloru dla gwiezdnych ustawień jest nieoczekiwane i charakterystyczne dla kawałków Kusamy.
Ozdobiona drukiem przypominającym batikowe tkaniny drukarskie, urodzona w Nigerii Yinka Shonebare przejmuje historię polityczną i społeczną związaną z postkolonializmem i globalizacją. Artsy zauważa, że Shonebare, który jest członkiem Najbardziej Doskonałego Zakonu Imperium Brytyjskiego, używa ikonicznych obrazów, ale z zabawnym akcentem. Kolorowe rzeźby składają się z wielu stwierdzeń i będą stanowić początek rozmowy.
Tyle sztuki, tak mało czasu. Tak co roku myślimy o Art Basel. Kreatywność i wyobraźnia skoncentrowane w jednym miejscu mogą być przytłaczające, ale jedno jest pewne: na tym niesamowitym targu sztuki każdy znajdzie coś dla siebie.
